台北當代藝術新據點！《光之域》特展，一同探討空間、光與色彩間的交互關係

在東京銀座的精品藝術百貨 Ginza Six 的六樓，為日本藝術界帶來前衛新觀點、隸屬於日本蔦屋書店旗下的畫廊 THE CLUB，繼2021年的快閃畫廊所推出的《Evanescent Horizon 情緒線》，今年一月中二度快閃來台，帶來了延伸性概念、名為《Horizon Dreams of Color 光之域》的展覽。這次的展覽標題與展覽空間 LIGHTWELL 無論在場域名或空間環境都有著多層面的呼應；這個位於中山區由一棟50年老屋改造而成的複合式藝術空間，建築物自身與周遭環境匯集建築、藝術、時尚、文化、歷史等多重元素。為老屋原有的天井及多面開窗的採光設計讓空間因自然光線的變化，增添了可遇不可求的多變光彩。

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《Horizon Dreams of Color 光之域》

台北市中山區 LIGHTWELL 三樓一景

《Horizon Dreams of Color 光之域》中的四位藝術家，近藤正勝（Masakatsu Kondo）、猪瀬直哉（Naoya Inose）、小瀨真由子（Mayuko Ose）及今坂庸二朗（Yojiro Imasaka）各有其獨樹一格的特質與創作媒材的表現，在 LIGHTWELL 二樓及三樓開放式格局的抽象空間中看似劃分清楚的四個區域，流露著彼此與空間及光感的對話可能，並注入了融會國際與日本當代的藝術新氣象，為尚未能自由出國的我們帶來了新的視野。藉由這次的展覽，很榮幸地邀請到 LIGHTWELL 主理人李品濤、 THE CLUB 藝廊總監山下有佳子與 THE CLUB 台灣區代表 Sophie 談論《Horizon Dreams of Color 光之域》策展觀點及對於台灣當代藝術展覽的想法。

深刻的訪談

THE CLUB 藝廊總監・山下有佳子，photo credit GO MINAMI

對於「光 v.s. 色彩」，在藝術圈擁有不同立場的兩位，一位身為展覽空間的主理人品濤，以及經營管理藝術家與藝術品的藝廊總監山下小姐，對於此次展覽的想法？

李品濤：認為此次因為光，我們才有幸能看到不同的色彩。因為光包容所有顏色，更讓顏色有了生命。作為一個空間負責人，我的使命就是盡可能讓任何類型或風格的藝術創作，能在空間中自由流動，展現出最適合的一面與觀者對話。當初我把“光”作為 LIGHTWELL 空間的核心，有一部分也是想呼應光對色彩的包容性。

山下小姐：光和色彩有著互相不能分離的存在，如果沒有了光，人們變無法在視覺上辨識色彩。一件作品無論有多美的色彩層層疊疊地勾勒出形態，沒有光的話就無法展現彩度。所以, 對我來說如何將藝術家注入靈魂創作的作品放置在最理想的空間（光感）是我規劃展覽上重視的要環。我認為這和藝術家與藝廊之間的關係有點相似。如何能把藝術家（色彩）帶到公眾視野中是藝廊（光感）的工作。

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LIGHTWELL 三樓展示的今坂庸二朗作品 - 「IE#80」（2021）

這次展名《Horizon Dreams of Color 光之域》，無論是展名文字上的意境或是實際參觀後的觀感，都讓人對於這個展名很有進入藝術家作品的共鳴感，當初是如何命名的呢？

Sophie：第一次看到 LIGHTWELL 時，就覺得這個座落在繁華的中山區建築的光線結合外面的大樹走進來是個別有洞天的空間。是另外一個 horizon（視野）、場域的空間，順勢延續我們2021年在台灣第一次快閃展覽的名稱《Evanescent Horizon 情緒線》，配上這次每個藝術家的豐富色彩元素運用，想要隨著作品跟光線把觀者帶入不同的場域。

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LIGHTWELL 二樓展示的猪瀬直哉作品 -「Coexistence」(2021) 及「Blue Home」(2021)

關於這次的四位藝術家作品的挑選及排序，在策展時是怎麼安排的？

Sophie：因為各自都有明確的場域的分別，就決定讓藝術家有自己的空間，THE CLUB 總監山下有佳子也根據藝術的作品概念跟屬性，如今坂庸二朗跟近藤正勝創作的一部份是受到大自然跟光線的啟發，與藝術家討論後決定將作品放置在窗戶旁邊與光線還有大樹呼應。小瀨真由子跟猪瀬直哉則是各別運用強烈的線條跟色彩，讓觀者可以不受外界環境的影響來沈浸觀看。藝術家透過空間照片跟 VR 配合我們設置的主題《Horizon Dreams of Color 光之域》，去創作以及挑選作品。

LIGHTWELL 三樓的小瀨真由子作品「In a garden with a pine」(2021)

山下小姐是怎麼看待藉由 “pop-up gallery” 在海外展覽這件事以及對於位於東京銀座的 THE CLUB 和海外快閃式的展覽的相互關係？

我們 THE CLUB 是一家總部位於日本的藝廊，但我們所涉略的藝術品與藝術家皆為國際化的。這次在台北展示的四位藝術家亦是如此，其中三位的據點都在海外。因此對我們而言，在海外展出這件事是必然的。之所以目前在海外以 pop-up (快閃) 形式展示，是從新型冠狀病毒而讓許多藝術博覽會延期或終止的現況中讓我想的的一種呈現模式。對我們藝廊來說，在這樣尚未明朗的世界情勢下能藉由 pop-up 推出單獨展覽是一種較容易維持持續性展出的方式。此外，這也是更能專注於策劃展示空間的原因。

在東京工作幾年後返台，並身為 THE CLUB 台灣區的代表，Sophie 從回來到台灣的這段時間，對於台灣藝術圈及市場，有怎樣的想法呢？

台灣藏家數量上或許不是最多，但是有越來越多年輕藏家對於新銳藝術家作品的敏銳度是走在很前端的。我覺得台灣能夠多一點展覽、多一點不同的角度跟聲音，對於整個市場的結構跟品質都會有所提升，加上與日本文化的相似性，在看待日本藝術家的時候多了很多共鳴，這也是 THE CLUB 持續想要在台灣做展覽的很大一個因素。

日本當代藝術家

近藤正勝（Masakatsu Kondo）

近藤正勝，「Hidden Land」(2020)

在1993年從英國倫敦知名的斯萊德美術學院（Slade School of Fine Art）畢業後便留在當地發展。近藤先生認為自然即是根本的環境也是作為思考所需的基礎；擅長運用輕盈的筆觸與柔和的色調勾勒出他所體悟的生命感。創作靈感來自於小時候在自然中的體驗，將自幼累積的原始記憶經過時間轉化成語言化和抽象化般的存在，再藉由繪畫表達出來。這次展出的三幅作品中有兩幅作品「Still to be alive」、「The wall and the butterfly」來自於早期探討生與死、永恆與瞬間等生存意義的畫作，及一幅近期以風景（landscape）為媒介、將自然景致中的光線透過人工（artificial）詮釋的作品「Hidden Land」。

猪瀬直哉（Naoya Inose）

猪瀬直哉，「Ave Maria 2」(2021)

畢業於東京藝術大學繪畫科油畫專攻、以日本國家文化廳新銳藝術家海外研修員之姿赴英並在倫敦藝術大學切爾西藝術與設計學院深造後決意留在倫敦。主張繪畫的表達超過言語並相信透過視覺展現便能快速分享訊息給全世界的猪瀬先生，創作素材來自於自身周邊發掘的問題、社會問題、環境問題等，結合多樣的繪畫技法於畫布上來完成他想藉由繪圖傳達的訊息，如集合細緻的風景畫、抽象世界的概念與油彩技巧將寫實與抽象同併作為詮釋他心中和諧共存（coexistence）的概念。「Ave Maria 2」宛如失落世界中的一景，表達人類造就自然環境破壞而衍伸的無法運轉狀態。「Snap Chemical Stripe - Green」則為近期的新作，將電視斷訊時出現的"colour bar"景象結合寫實的自然風景繪圖。

小瀨真由子（Mayuko Ose）

小瀨真由子，「Room for three」(2021)

畢業於東京多摩美術大学美術學部繪畫學科，專攻日本畫的傳統技巧。深受戰後年代的日本攝影師作品60～70年代「劇畫」的拼貼風格及日本平面設計大師橫尾忠則和栗津潔等的啟發，小瀨小姐將日本畫特有的平面性與質感表現手法結合了後現代主義及平面設計的概念,創造出帶有強烈視覺張力的圖像拼貼感且獨樹一格的畫風。創作以繪畫人物群像為主，人物輪廓以剪影般的黑色影子勾勒，在呈現隱喻、匿名感的同時, 藉以影繪日本的中庸美學；人物服裝及週邊動植物或物件的繪製表現則以鮮豔明亮的色彩，相較於西方普普藝術的平鋪直述，更增添神秘氣息於構圖中。

今坂庸二朗（Yojiro Imasaka）

今坂庸二朗，「Trade Winds No.19」(2018)

出身於日本廣島，24歲畢業於東京日本大學攝影系後便搬到美國並在紐約普拉特藝術學院（Pratt Institute）完成碩士學位；目前居住與工作重心在紐約布魯克林。創作以攝影為主的今坂先生對於影像作品的觀點：「當今我們的生活中充斥著無可避免的電子化資訊，但是我們自身心中記憶的景象卻是這麼的模糊且不完整。確實存在過的種種，即便是微小的足跡仍然因而得以持續存在著。這宛如能持續一直被看到的自然景致與我們的存在的對比，好比人類之後的風景這般的未來想像。」