Racine

Jean Racine (1639-1699), seguramente, é um dos grandes mestres do teatro moderno e, em conjunto com Shakespeare, com Corneille e com Molière, representa até hoje referência obrigatória para aqueles que desejam reconstituir a trajetória das artes dramáticas do ocidente.
Pouco ou quase nada se fala de sua habilidade em reciclar as obras da Antiguidade Clássica greco-latina em prol de uma nova arte dramática que surge a partir do renascimento e que se desenvolve até os dias de hoje. A capacidade de “reciclar” ou, simplesmente, “aludir” não é nova, como podem imaginar alguns que se debruçam, sistematicamente, sobre a tão propalada e reverenciada intertextualidade, pedra de toque da pós-modernidade.

En 1825 se representó en Madrid la traducción de Andromaque de Jean Racine realizada por Manuel Bretón de los Herreros, que fue posteriormente publicada, en concreto en 1842, en Méjico, en la Imprenta de Vicente García Torres. Este texto es el que nos ha servido de base para nuestro trabajo en el que, tras situar la traducción en su contexto y dentro de la labor traductora de Bretón de los Herreros, llevamos a cabo un estudio comparativo entre la obra original francesa y la versión castellana. Es más justo, como veremos a lo largo del artículo, hablar de versión que de traducción.

Présentation de l'éditeur :
« Aujourd’hui, maman est morte. »
« DOUKIPUDDONKTAN, se demanda Gabriel, excédé. »
Voilà deux célèbres premières phrases de livres ô combien célèbres. Elles ouvrent L’Étranger et Zazie dans le métro. Ce livre en contient quinze autres (plus deux interludes) que Laurent Nunez examine mot après mot. Tout ce que l’on peut deviner d’une œuvre, et de son auteur, n’est-il pas contenu dans « sa » première phrase ?
Aussi instructif qu’ironique, aussi passionnant que savant, ce livre nous parle plus que des livres, il nous parle de l’amour, de la séparation, de la perte, de la vie même. Italo Calvino avait écrit Pourquoi lire les classiques ?, voici le « comment (re)lire les classiques ? » des temps nouveaux.

Una lettura del saggio di De Sanctis sulla Fedra di Racine, contro Wilhelm Schlegel, fra Hegel e Blanchot / A Reading of De Sanctis's Essay on Racine's Phèdre, against Wilhelm Schlegel, between Hegel and Blanchot / Une lecture de l'essai de De Sanctis sur la Phèdre de RAcine: Contre Wilhelm Schlegel, entre Hegel et Blanchot

Libraries play a vital role in providing access to information for all of society’s members.  This role is even more evident in prison, where libraries offer resources that engage a prisoner’s mind and provide a means of escape, so to speak, from a world devoid of all but the most basic of services. Unfortunately, the lack of inherent value placed on prison libraries and their role in an inmate’s life hasn't been well researched. This paper seeks to quantify the value of a prison library by conducting a pilot study on prison library usage based on data collected from two prison libraries, Racine Correctional Institution and Dodge Correctional Institution, in the hopes of demonstrating that both prison libraries are utilized the same way.

Les œuvres d’esprit du classicisme sont bien imprégnées par des règles strictes qui les rendent esthétiques dans leurs  temps.  À ce moment-là, il y avait  trois grands genres littéraires qui étaient à la mode, à savoir :  le roman, la poésie et le théâtre.  Dans notre dissertation, nous voulons parler d’une  partie du théâtre dite « tragédie :  c’est une forme de théâtre qui nait à Athènes au Ve siècle av. J.-C.  D’origine sacrée, elle est liée aux fêtes célébrées en l’honneur du dieu Dionysos".  L’analyse comparative de coup de théâtre dans Phèdre de Racine et dans Polyeucte de Corneille nous intéresse admirablement.  Voire, la tragédie de cette époque peut-on la trouver dans notre société de nos jours ?  Voilà ce que nous voulons savoir dans notre recherche analytique.

Is Phaidra really a poor woman, suffering from Hippolytus,
Theseus and men arround her or is she instead a dangereous woman able to kill and destroy men? He examines the works of Euripides, Seneca, Racine and Unamuno; then he concludes that there is a kind of fifty-fifty in this character; both faces of
Phaidra are shown. That is the reason why she keeps being an interesting character in western literature

Une analyse du style du discours amoureux sur la scène théâtrale; la "francité" de Marivaux, dramaturge par excellence de "l'amour à la française" chez les critiques du 19e siècle, Faguet, Brunetière, Lemaître. Marivaux, précieux aux yeux de ses contemporains, devient le représentant emblématique de la grâce d'ancien régime au siècle suivant. Marivaux sera comparé par Brunetière à Racine pour la maîtrise dans le portrait des émotions. On oublie que certaines des critiques de préciosité et maniérisme adressées à Marivaux furent autrefois adressées à Racine par ses contemporains, et par ... Voltaire, farouche rival des deux dramaturges.

L'articolo ricostruisce la poetica del sublime e della natura che presiede ai Sepolcri attraverso le polemiche di Foscolo e della sua cerchia con i primi detrattori del carme, l'abate Guillon, che riprende motivi classicisti che risalgono a Bouhours, alla sua polemica con Orsi e alla lettura settecentesca di Racine, ma anche Pindemonte e Torti. Sono due concezioni completamente diverse della poesia sepolcrale, una cristiana e consolatrice, l'altra bellicosa e civile che vengono così a contrapporsi, e nello stesso tempo si rivela anche una concezione del sublime e della natura che tutto sommato è molto diversa da quella, per esempio, di Leopardi.

En 1989, dans Sens et Textualité, François Rastier écrivait « Les mots, les phrases et les textes sont encore dans les faits l'objet de disciplines distinctes que séparent des frontières académiques plutôt que scientifiques » (p. 5) et il appelait de ses voeux une analyse stylistique qu'il définissait alors comme « étude des corrélations entre niveaux » (p. 10). Trente ans plus tard, si à chaque niveau la recherche a bien progressé, il y a certainement encore beaucoup à méditer sur les corrélations entre les niveaux en question. Persuadé avec Patrice Bonhomme qu'un « poème construit de tel mètre et ordonné de telle façon doit nécessairement signifier de par cette construction » (1995, p. 9), nous nous proposons de revenir sur ce sujet en passant l'alexandrin classique entre les mailles d'un nouvel outil, le faiscsème, à savoir une isotopie sémantique induite d'un faisceau convergent de signifiants appartenant à des niveaux et paliers d'analyse différents. De la ligne alexandrine à l'alexandrin de Racine Les historiens de la littérature sont à peu près unanimes pour dire que le dodécasyllabe apparaît autour de 1130 dans Li Ver del Juïse, ressurgit en 1160 dans La Chanson de Jerusalem puis en 1170 sous la plume de Lambert le Tors de Châteaudun qui l'utilise pour célébrer le plus célèbre des Macédoniens antiques. Autrement dit, dès ses origines, il est le mètre des grands sujets : le jugement dernier, Charlemagne, Alexandre… le Grand. Et d'ailleurs, c'est cette même caractéristique que les théoriciens de seconde rhétorique retiendront lorsqu'ils le nommeront « ligne alexandrine » : Quand j'euz achevé de lire tout ce beau dictier composé de ryme alexandrine, gravé en la planière du rochier ample et spacieux (laquelle taille jadiz avoit grand bruit en France, pource que les prouesses du roi Alexandre le grand en son descriptes es anciens rommandz. (Jean Lemaire de Belges, cité par Roubaud, 2000, p. 8-9) Dans l'introduction de la Franciade, la grandeur ressurgit par un autre biais, celui de la réception : « je devrais composer mon ouvrage en vers alexandrins, pource qu'ils sont pour le jourd'hui plus favorablement reçus de nos seigneurs et dames de la Cour 1 ». Reprendre un siècle plus tard ce mètre, c'est évidemment hériter de ce patrimoine. Le redoubler lexicalement et syntaxiquement, l'emphatiser par des figures de style, c'est confirmer son statut de faiscsème. Dans ses vers, Racine ne se contente pas en effet de refuser le vocabulaire bas. Comme l'a montré Spitzer, il utilise constamment des pluriels de majesté et des métonymies qui grandissent ses protagonistes. Dans Andromaque, il assimile par exemple Pyrrhus à son territoire : « L'Epire sauvera ce que Troie a sauvé » (I, 2). Racine confère aussi à ses personnages « maintien » et « majesté » en utilisant des « verbes phraséologiques » qui ramènent l'action à ses motifs : « une volonté, un droit, un pouvoir, une opinion. » Ainsi, par l'expression verbale périphrastique « porter ses pas », qui répond « au latin vestigia (gressus) ferre (Mesnard) », « l'action d'aller » se meut en « une marche majestueuse » (Spitzer, 1991, p. 226, 236, 244). Un nouveau détour par la réception invite cependant à nuancer ces premières remarques. Il y a en effet parmi les lecteurs des XVII e et XVIII e siècles une quasi-unanimité pour attribuer la « grandeur » non pas à Racine mais à Corneille, l'auteur de Phèdre et d'Andromaque étant, lui, plutôt perçu comme le maître de la juste mesure. Plusieurs des observations de Spitzer vont dans ce sens. Souvent, l'événement est synthétisé par une maxime qui fait rentrer dans le rang l'exceptionnalité ou alors il est atténué par une

L'articolo interpreta il saggio di De Sanctis su Fedra alla luce del dibattito ottocentesco sulla tragedia antica e moderna, facendo in particolare riferimento a un saggio di Schlegel, alla riflessione ottocentesca sulla damnatio memoriae di Euripide e a più recenti letture novecentesche della Phèdre di Racine.

Rappresentare e narrare le passioni sui palcoscenici o nei romanzi è uno strumento di corruzione morale o una via verso la verità dell’uomo? La questione è vitale, e Manzoni vi riflette a lungo, confrontandosi idealmente con i filosofi morali del Seicento francese che avevano messo in guardia dal «langage des passions». Commentatore di Corneille, Racine e Shakespeare, Manzoni, drammaturgo e romanziere, risponde elaborando un lessico largamente debitore nei confronti di quegli stessi filosofi, «osservatori profondi e sottili» dell’interiorità.
Ricostruito il dibattito tra Sei e Ottocento sulla legittimità morale della letteratura, il libro allestisce una sorta di lessico ideologico manzoniano intorno agli ambiti semantici della superbia, dell’amour-passion e dell’ira, muovendosi su tre poli uniti da consonanze significative: la trattatistica secentesca (Pascal, Bossuet, Nicole, Bourdaloue e Massillon), i drammi commentati dal Manzoni critico teatrale e gli scritti creativi del Manzoni drammaturgo e romanziere. Nella seconda parte un’antologia di testi ripercorre l’opera letteraria e argomentativa dell’autore attraverso cinque parole chiave che coincidono con cinque vizi capitali: la superbia (con due varianti sul tema nelle categorie del "morso" e del "punto"), l’invidia, l’ira (inseguita anche dalla declinazione del "furore"), la lussuria e l’accidia.
Il linguaggio delle passioni manzoniano è così ricostruito all’interno di uno scavo che incrocia, con il romanzo e il teatro, la critica letteraria e teatrale, e la filosofia. Ne emerge una volta di più il respiro europeo di un’arte sostanziata di pensiero.

This article takes Cigna-Santi and Mozart's opera Mitridate, re di Ponto (1770) as a case study for opera seria's engagement with French neoclassical spoken tragedy and the Enlightenment revisionist approach to tragic principles. Far from inheriting a stable source text, the opera adapts a highly contentious play – Jean Racine's 1673 tragedy Mithridate – which became the exemplar for Antoine Houdar de la Motte's contentious new genre of " prose tragedy " in the early eighteenth century. Against the large body of scholarship disparaging Mozart's relationship to his neoclassical predecessors, I argue that the operatic Mitridate undertakes targeted revisions to the original Racinian drama, and moreover that these modifications reflect a tragic theatre in flux rather than in decline.

Literaturgeschichte und Kritik sind zweierlei : aber sie können im selben Hause wohnen. Sie haben einander viel zu geben. Ohne kritische Schulung hātte ich mein Mittelalterbuch nicht schreiben können ; und die geschichtliche Schlung ist, so hoffe ich, meiner Kritik zugute gekommen.

Euripides’ "Andromache" and "Iphigenia in Aulis "became extremely relevant in west drama arts, because of the success of Racine’s versions in the 17th century. Therefore, I shall study how Euripides’ myth, through Racine, arrives into the Spanish literature and writers. To achieve that, I will outline the Spanish translations, version and recreations from the 18th century. I will focus on Margarita Hickey’s translation (1759), Clavijo y Fajardo’s lost Andromache (after 1770) –a translation from Racine’s one–, Pedro de Silva’s adaptation "Al amor de madre no hay afecto que le iguale" (circa 1764), that became a «heroic comedy» and Manuel Lassala’s «lyrical scene» "Andromaca" (1788).

A reading of the figure of Andromache in Aragon's collection Les Poètes (1960), which combines the reworking of the lyrical tradition of the poetry of Paris, in particular Baudelaire, with the poet's take on the dramatic events of world war 2 and the cold war.

The focus of this paper is an analysis of the Ambrose Philips (1674-1749) neoclassical tragedy The Distrest Mother (1712). This play is an adaptation of Jean Racine's (1639-1699) Andromaque (1667), which is, in turn, an adaptation of the Euripides' ancient Greek tragedy Andromache (ca. 426 BC). Philips' tragedy is an example of an early English adaptation from Racine. Philip took Racine's play and moulded it to appeal to English taste. Therefore, this study shall analyse Philips' play focusing on his innovations, mainly in comparison with the Racine version, but also with the ancient Greek myth.

„In der Machination“, Walter Benjamin states, „hat die neue Bühne den Gott.“ This is not only true with respect to the stage machinery that produces divine manifestations on the baroque stage, but also in the more complex meanings of the word: “machination” in the sense of artifice and deceit, as it is represented in the “intrigue”, the dramatic knot of the play. The paper develops this connection between machination and theophany in a comparative study of the two baroque poets Gryphius and Racine. While Gryphius’ plays mostly rest on stage machinery in order to demonstrate the sovereignty of the Christian Law, Racine’s theater is known for its ingenious intrigues, which often modify mythical plots in the name of a “divine” authority, namely, Aristotle. But also this divine law relies upon (philological) machination, as an analysis of Daniel Heinsius’ edition of Aristotle’s Poetics shows.

Les trois règles du théâtre classique français sont la production et le dépassement de toute une évolution artistique typiquement française et qui fut le résultat d’une longue bataille d’homogénéisation et de régularisation. Le Cid ne peut pas tenir en une journée car on se demande comment la bataille contre les Maures aurait été possible. La célèbre bataille d’Hernani n’est, entre autres, que le résultat de la remise en cause de ces trois règles. Le monde moderne n’a pas inventé la dialectique tradition-innovation. Mais la communication moderne et les médias modernes lui donnent une dimension universelle dans le monde et dans chaque société, engageant des millions de gens dans ce mouvement, et non plus une élite étroite. On n’a pas changé de problématique. On a simplement changé d‘échelle d’application.

In 1823 French romantic writer Stendhal published Racine et Shakespeare, a vital text
in the history of French Romanticism partly hailed as a precursory text. It was a
compilation of Stendhal’s published and unpublished leaflets defending the romantic
movement that he was more than a witness to in Milan during his frequent visits to
Italy. Stendhal spent the early years of the nineteenth century independently studying
Racine and Shakespeare among others, whom he later brought together to address the
classicist-romantic conflict. He uses Racine as the figurehead of classicism, yet calls
him and Shakespeare both romantics. In this paper I have tried to examine the
circumstances that led to Stendhal’s publication of Racine et Shakespeare, his theory
of romanticism and if Racine was more than a romantic in the Stendhalian sense of the
term, also trying to develop an argument on Racine’s inherent mystical romanticism
that Stendhal does not address.

I participated to the doctoral conference on "L'autre et l'ailleurs" at the Sorbonne University in Paris with a talk on "Bérénice: la femme étrangère dans l'oeuvre de Louis Aragon". Here the link to the article https://doctorales.hypotheses.org/844

[Eng.]
The focus on this paper is to bring to light Jovellanos’ tranlation (1769) of Jean Racine’s Iphigénie (1674), regarding to the purpose of this translation and the subsequent hiding of it. The tragedy was not published or was included in canonical Jovellanos’ corpora. In 2007 the drama manuscript appears in the Spanish Monastery of San Millán de Yuso: its archivist and librarian  nds it. I shall study Iphigenia in Aulis as a political tragedy since Euripides drama to lately versions, recreations and 18th century translations. It was written to show universal facts, but also the different contemporary social and political backgrounds of their authors, trying to avoid the censorship. Therefore, I will show a general outlook of the myth attending to warlike and estate issues, and to the specific recreation of the myth during the age of Enlightenment taking Jovellanos as a model.'

[Esp.]

El objetivo de nuestro trabajo es presentar la Iphigenia de Jovellanos, es decir, la traducción que éste hace en 1769 de la "Iphigénie" (1674) de Jean Racine, y atender a los motivos que llevaron al joven ilustrado a llevar a cabo dicha traducción y a los motivos que conllevaron la posterior ocultación de la misma. La tragedia no fue publicada ni había sido contemplada en los corpora canónicos de la obra jovellanista, hasta el año 2007 no sale a la luz el manuscrito de la obra hallado en el monasterio de San Millán de Yuso por su archivero y bibliotecario. Estudiaremos la "Ifigenia en Áulide" como tragedia política desde Eurípides hasta sus posteriores versiones, recreaciones y traducciones dieciochescas: concebida para tratar conceptos universales, pero también para reflejar los distintos panoramas socio-políticos contemporáneos de cada uno de sus autores, evitando de este modo la censura. Así pues, presentaremos una visión general del mito en relación a la cuestiones bélicas y de Estado y la especicidad de la recreación del mismo en el contexto de la Ilustración tomando como referente la traducción de Jovellanos.

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Theatre scholars and historians assume too easily that theoretical reflection on the performative qualities of the theatre began only in the eighteenth century. In mid-eighteenth century France, writers and philosophers such as Denis Diderot, Jean le Rond D'Alembert, Jean-Jacques Rousseau, Antoine-François Riccoboni, or Jean-Georges Noverre (to name but a few) showed a passionate interest in the aesthetics and the morality of performance practices in dramatic theatre, music theatre, or dance. Compared to this rich diversity of ideas in the eighteenth century, seventeenth-century French writings on theatre and the performing arts seem, at first sight, far less interesting or daring. However, this is merely a modern perception. Our idea of le théâtre classique is still rather reductionist, and often limited to the theatrical canon of Pierre Corneille, Jean Racine, and Molière. It affords a view of the performing arts that is dominated by tragedy and comedy and that, firmly embedded within a neo-Aristotelian poetics, privileges dramatic concerns above performative interests.